Animation japonaise

Difficile d'évoquer l'oeœuvre sans révéler des éléments essentiels qui contribuent à l'aspect follement accrocheur et pour tout dire totalement fascinant de l'errance de Kenzo Tenma. Mais ce qui bouleverse l'esprit critique c'est de pouvoir enfin admirer une série télévisée qui parvient à allier des envolées sentimentales sincères (Tenma et le petit Dieter, par exemple) à une cruauté, voire une violence, jamais démenties (même chez Jack Bauer on n'est pas prêt de voir un enfant battu se faire braquer un fusil de chasse sur la tête pendant plusieurs minutes). On louera aussi l'impressionnant souci de réalisme qui nous montre (enfin !) comment le héros apprend à manier une arme alors qu'il n'en avait jamais touché une auparavant (car tout le monde n'est pas Bruce Willis, même dans un dessin animé…). De même, la psychologie, l'histoire, la vie de famille de chacun des protagonistes sont peu à peu passées au crible et c'est souvent un nouvel intervenant, la plupart du temps essentiel, qui nous est présenté à chaque épisode.

Monster nous fait ainsi tomber « amoureux » de personnages a priori fort antipathiques, que ce soit la petit crapule maladroite Heckel, la femme brisée et haineuse Eva ou le génial inspecteur Runge, plus proche de la machine que de l'être humain. Bien sûr il y a aussi, omniprésent mais presque toujours absent, cette incarnation du mal absolu, Johann, dont les origines et surtout le futur entraîneront sans nul doute la série vers des rives encore plus noires et déroutantes. Mais qu'il en soit ainsi, LA série du moment possède la beauté du démon et vous ne pourrez pas résister à son infini pouvoir de séduction….

Mais l'audace fondamentale de la narration de Monster, qui n'hésite parfois pas à dédier un épisode entier à un troisième couteau, apparaît de manière d'autant plus éclatante lors du brusque changement de perspective qui s'opère au milieu de ce second coffret. Nous quittons Tenma, Runge, Nina et tous les personnages que nous commencions à adorer pour découvrir une histoire presque entièrement différente. Les nouveaux protagonistes se nomment Hans Schuwald, Karl, Richard Brown ou bien encore le docteur Gillen. Leur lien avec l'intrigue principale ? Johann, bien sûr, qui va enfin s'exposer au grand jour et dévoiler des trésors de machiavélisme. La sophistication de la psychologie de chaque personnage ne cesse de surprendre et l'atmosphère est à la fois éthérée, souvent onirique, mais essentiellement oppressante, tout concourt à faire de Monster le thriller « total ».

L'empathie du spectateur pour un nombre sans cesse croissant de personnages et la capacité d'Urasawa à déjouer toutes les prévisions, donnent l'impression d'assister à une œoeuvre d'une maîtrise inédite, d'une intelligence minutieuse qui ne laisse aucun détail au hasard. Monster devient alors vertigineux car l'on réalise peu à peu que Johann a pensé à tout et que rien ne pourra l'arrêter, qu'un Destin écrasant attend tous ceux qui entreront dans son plan, vaste projet d'une Apocalypse universelle ou intime. La série se relance sans trêve, chaque épisode s'achevant sur un « cliffhanger » affolant qui ne donne qu'une envie: se précipiter sur la suite. Et soyez prévenu, au terme du chapitre 30, dernier de ce coffret, on atteint un des sommets dans le domaine du rebondissement exaltant, le risque d'addiction est immense, après il sera beaucoup trop tard pour essayer d'arrêter, le piège sera déjà refermé….

Cette vaste étape de la série nous donne l'occasion de découvrir un personnage clef, le très émouvant Wolfgang Grimmer, survivant de l'orphelinat Kinderheim 511. La fin du coffret s'intéresse au jeune inspecteur Yan Suk, qui va se retrouver bien malgré lui mêlé à la quête de Johann et à l'un des plus impressionnants rebondissements de l'histoire. Car si Monster est définitivement une oeœuvre qui sait prendre le temps de développer idéalement ses protagonistes et les ramifications de son scénario, il se passe énormément de choses et les ellipses se révèlent parfois déconcertantes, le spectateur devant lui-même reconstituer les pièces du puzzle. En ce sens aussi, l'oeœuvre renvoie toujours au Twin Peaks de David Lynch, avec sa faculté à brouiller les pistes, à mélanger les genres et à créer une ambiance de paranoïa totale sans toutefois verser ici dans le Fantastique.

Si l'atmosphère de la série, entre menaces quasi métaphysiques (incarnées par le générique d'ouverture) et percées oniriques (avec pour preuve le générique de conclusion), flirte avec le surnaturel, jamais l'histoire ne cède à la facilité et se maintient dans un réalisme surprenant. Les événements se déroulent ainsi sur des mois, des années, en prouvant qu'une telle enquête ne peut pas se développer en quelques jours. Et si Johann apparaît et disparaît tel un fantôme, c'est sans doute parce qu'il incarne la mauvaise conscience de l'Europe (voire aussi celle du Japon), qui a laissé des régimes totalitaires détruire des vies et créer des « monstres » bien réels, avec l'aide d'expérimentations psychologiques ayant bien plus d'impact que n'importe quelles élucubrations de science-fiction.

Ce n'est pas le Mal qui s'exprime au travers de Johann, mais bien le néant de l'humanité, le Monstre peut ainsi se rendre « invisible », être partout et nulle part, nous sembler dans le même plan personnifier la beauté absolue et l'horreur la plus repoussante. La lutte de Tenma et de ses amis nous apparaît d'autant plus absurde et admirable, chaque nouvelle révélation, chaque montée de la violence, résonnent tout à la fois avec espoir et résignation. Monster est une expérience aussi passionnante que parfois éprouvante, où peuvent cohabiter l'angoisse et la tendresse, sans que jamais l'intérêt du spectateur ne faiblisse un seul instant.

 

 

Quatrième partie

Après la prise de conscience de Johann dans le troisième coffret, ce quatrième volume se concentre quasi intégralement sur la recherche des origines du « monstre ». Ainsi les héros, de plus en plus nombreux, vont tous se disperser et mener chacun leur enquête pour finalement se retrouver en ex-Tchécoslovaquie entre l'immeuble des « 3 grenouilles » et la tragique « Villa des roses ». Accumulant les fausses pistes et surtout les faux-semblants, la série de Naoki Urasawa verse dans une violence graphique et psychologique de plus en plus impressionnante. Dès le premier épisode de ce coffret, c'est le bienveillant Grimmer qui dévoile une double personnalité terrifiante. Le chapitre suivant sème le doute sur la santé mentale de Nina, et le crescendo se poursuit en particulier avec l'épisode 49, où Johann pousse un enfant au bord du suicide.

Peu avare en rebondissements, Monster n'hésitera pas à faire incarcérer son personnage principal (le plus en plus désabusé docteur Tenma) et à offrir à l'impassible inspecteur Runge une inquiétante progression vers la vérité (dont une scène inoubliable de visite à la Villa des roses où l'effroi surgit d'une simple porte entrouverte).

Comme à son habitude, le récit digresse souvent en s'attardant sur des personnages secondaires et en prenant parfois le temps de les développer sur plusieurs épisodes. Dans cette quatrième partie, le plus touchant d'entre eux serait sans doute le tueur à gages Martin, chargé d'éliminer Eva, et qui se retrouve au coeur des trois derniers chapitres du coffret. Certains antagonismes débutent leur résolution et tout se met en place pour la conclusion du récit, petite Apocalypse en devenir. Monster confirme son statut d'œoeuvre à la densité scénaristique extraordinaire, dont le rythme ample et la profusion des protagonistes ne donnent que plus d'impact à ce tableau à la fois terrifiant et paradoxalement attachant des méandres de l'âme humaine.

 

 

Cinquième partie

La conclusion de la série fleuve Monster récompense tous les espoirs que nous lui avions offerts dès le début. Le développement psychologique des multiples protagonistes, riche de nuances et de faux-semblants, ne s'arrête pas et les certitudes que le spectateur pouvait se forger sont balayées jusqu'à l'ultime épisode. Nous pensions avoir saisi les clefs de l'histoire et nous voilà à nouveau bouleversés par des révélations qui remettent en question tout ce que les images et les suppositions des personnages nous laissaient croire. Monster se révèle être bien plus que la description d'un complot, ou même qu'un portrait effroyable de la cruauté humaine, c'est aussi une réflexion sur le pouvoir du récit et notamment sur l'interprétation des images. La plongée dans les souvenirs de Nina, la soeœur du « monstre », est un puzzle qui nous fait naviguer de fausses pistes en interprétations mouvantes.

Lors de notre première approche de la série de Naoki Urasawa, nous la comparions à Twin Peaks, pour son ambiance et quelques clins d'oeœil soigneusement distillés, mais à l'approche de la fin, le parallèle devient encore plus évident, tant Monster est aussi une oeœuvre vertigineuse sur les masques, la duplicité et les apparences. Personne, à part le docteur Tenma, n'est ce qu'il semble être, à la manière des hiboux de David Lynch. Et dans le regard de Johann, les abysses dévoilent les pires horreurs de l'esprit humain. Sa simple présence suffit à déclencher l'Apocalypse promise, à l'échelle d'une petite ville, où les six derniers épisodes réunissent les héros. Le suspens, constante de la série, atteint son paroxysme, et la violence garde toute sa puissance et sa beauté. Car l'oeœuvre magnifie l'atroce, rend la monstruosité fascinante, refuse toute les ficelles scénaristiques, détourne les attentes et se permet jusqu'à la dernière image de déjouer les codes du genre. En dire plus nous obligerait à révéler des points essentiels, et ce serait criminel. Cependant, on ne peut qu'encourager une nouvelle fois à tenter l'expérience d'une des séries les plus novatrices et audacieuses de son temps, chef-d'œoeuvre d'écriture et de mise en scène.

Patlabor, premier du nom, est encore en grande partie fidèle au concept de Headgear (collectif de 5 mangakas et animateurs à l'origine de la série). On retrouve les protagonistes sous des incarnations familières, mais Oshii ne met pas longtemps pour corrompre ce terrain des plus balisés. Il fait des robots « Labors » les ennemis potentiels, décrit une apocalyptique machination terroriste et englobe le tout dans une atmosphère nostalgique où vient se greffer une enquête policière contemplative qui résumerait à elle seule toutes les obsessions stylistiques et thématiques du metteur en scène (mégalopole en décrépitude, errance d'êtres taciturnes, symboles à foison, doutes sur la réalité, musique onirique et angoissante de Kenji Kawaï).

Pourtant, dans ses prémisses, l'histoire de ce Patlabor semble suivre les règles d'or du film d'action de science-fiction à base de « méchas ». Et l'on s'attend à suivre d'imposants combats de robots, avec un maximum de destructions et un minimum de réflexion. Dans cette optique, Oshii offre une scène d'introduction vindicative, modèle de découpage, pour mieux prendre ensuite les chemins de traverse et s'attarder sur les questionnements (certes encore peu existentiels) des divers intervenants. Si les détails technologiques et autres circonvolutions du scénario sont bien présentes, Patlabor est, avec sa suite, le plus directement « humain » des films du metteur en scène. Outre quelques passages comiques, l'œuvre prend le temps de rendre ses héros attachants et même de créer une certaine affection pour les Labors, renforçant ainsi notre implication lorsque survient la grande scène d'action finale, la plus décomplexée de la carrière d'Oshii.

Mais avant d'arriver à ce climax, le scénariste Kazunori Itô (Ghost in the shell, Avalon) cisèle un thriller aux détours inattendus, dont le « méchant » est une ombre aux proportions bibliques. Loin d'être un mégalomane caricatural, ce terroriste entraîne Patlabor sur les terres de la fable, et, déjà, vers la remise en cause du tout cybernétique et sur les possibles implications envers l'humanité. Si l'aspect métaphysique du scénario est moins développé que dans les films qui suivront, impossible de ne pas ressentir déjà le pessimisme d'Oshii, au détour d'une ligne de dialogue ou dans la beauté de ses images désenchantées. Si le second opus de Patlabor ira bien plus loin dans la mélancolie et le minimalisme spectaculaire, c'est peut-être avec cette première œoeuvre que le réalisateur se sera dévoilé sous son jour le plus abordable, parvenant à ménager idéalement le divertissement et la réflexion, ses aspirations d'auteur et le plaisir immédiat du public.

 

 

Patlabor 2

de Mamoru Oshii

Oshii est un terroriste cinématographique, un spécialiste du détournement de concept et de la prise d’otage de personnages. Qu’on le lance dans des univers aussi balisés que ceux de Lamu ou de Ghost in the shell et il parvient à délivrer des œuvres contemplatives et mélancoliques là où l’humour et l’action devraient primer. Pour accomplir ses noirs dess(e)ins, le réalisateur commence par acquérir la confiance des auteurs et du public en délivrant des premières adaptations étonnantes mais encore suffisamment proches de l’original pour ne pas braquer les fans. Puis c’est l’escalade vers l’abstraction et l’austérité, des germes déjà largement présents dans les premiers opus.

Passer de Patlabor, dont l’enquête mélancolique s’oubliait dans un final pétaradant, à Patlabor 2, c’est effectuer un bond vers la quintessence du style d’Oshii : une trame ultra complexe de politique-fiction baignée dans du silence et des ombres. On ne comprend pas vraiment ce qui se passe entre les différents ministères, la police, l’armée et le terroriste utopiste, mais les idées sont puissantes. Une société entière est prise de panique au sein d’un récit parfois étrangement évocateur (un missile détruit un pont lors d’une scène en apesanteur, des chars envahissent les rues dans un calme surréaliste).

Oshii parvient à créer du mystère et de l’émotion avec trois fois rien et fait exister ses personnages animés avec une rare force. Poésie urbaine, solitude technologique, tout Ghost in the shell est déjà là, jusqu’à ce final anti-spectaculaire qui vient bouleverser le genre des « robots géants » en le faisant entrer dans l’âge adulte. Fondamental.

Dès le générique d'ouverture, on comprend la portée référentielle du projet. Un thème musical, emprunté presque note pour note à Ennio Morricone, nous place dans une atmosphère héroïque à mi-chemin entre le western et Kill Bill. L'imagerie et l'ambiance n'ont alors rien de bien original, la présentation des protagonistes obéissant aux clichés du genre. Sadamitsu et sa bande de potes « Les croque-morts », des enfants de choeœur défendant, on s'en doute, la veuve et l'orphelin, flirtent d'ailleurs par instant avec la parodie ; et le langage cru n'est pas sans rappeler Samouraï Champloo (Sadamitsu étant par ailleurs antérieur à la série à succès de Shinichiro Watanabe). On sent les auteurs prêts à verser dans le burlesque pur, mais dès la conclusion du premier épisode et la « naissance » du personnage éponyme, un surprenant et assez subtil équilibre se crée. L'argument de base étant pour le moins fort basique : notre « Destructeur » doit renvoyer dans l'espace d'où ils n'auraient jamais dû sortir, quelque un million deux cent cinquante-deux mille cinq cent trois monstres repris de justice, atterris sur Terre on ne sait comment, mais il va bien falloir s'en débarrasser.

Les 5 épisodes suivants sont alors très jouissifs, en faisant intervenir un nouveau comparse haut en couleur (la « moto alien », Kulon, toujours prompte à interpeller le héros par des « aniki !! » tonitruants) et surtout un mystérieux « Vautour » dont les intentions mystérieuses et les liens avec Sadamitsu forment le coeœur de la série. Mais ce qui captive le plus, ou du moins divertit sans trêve, c'est l'arrivée continue de nouveaux monstres (les « Ryukeitai », criminels spatiaux et très spéciaux) et la manière dont Sadamitsu va triompher de leurs vices et pouvoirs toujours plus inattendus. En ce sens, le sommet de l'œoeuvre se situerait au niveau de l'épisode 4, où le « superhéros » irascible et maladroit fait face à deux aliens lubriques, amateurs de parfums de collégiennes et de sous-vêtements en dentelle. On se retrouve ici plus du côté de Lamu que du dépressif Blue Gender. Mais le charisme de Sadamitsu, la menace du Vautour, la nervosité de la mise en scène et l'excellente bande-son élèvent la série au-delà de la trivialité qui la guette.

Si on se dit que le concept pourrait vite tourner en rond et l'enchaînement des combats devenir très lassant, la série ne nous permet même pas de nous installer dans une routine plaisante et emballe son final lors de quatre derniers épisodes spectaculaires mais très expéditifs. Le scénario se précipite alors en évinçant à toute vitesse le mystère du Vautour et la belle relation entre Sadamitsu et sa camarade de classe Kamishiro. L'entrée en jeu d'une poignée de « supervilains » fait un peu figure de rustine susceptible d'assurer un dernier round apocalyptique comme le genre l'affectionne tant. D'où une impression de déjà-vu qui gâche la conclusion de l'histoire en laissant un goût d'inachevé. L'aspect fun de la première moitié de la série s'efface totalement au profit de belles scènes dramatiques malheureusement bien prévisibles et définitivement plus banales que le style précédemment adopté.

Néanmoins, Sadamitsu demeure une œoeuvre distrayante, dont la liberté de ton, aussi bien dans la verve de ses protagonistes que dans le dynamisme de son esthétique, ravira les fans de GTO et de Samouraï Champloo. Pour l'amateur occasionnel, les extravagances de ce « loubard devenu justicier » proposent suffisamment de scènes d'action destructrices, de poses héroïques et de gags percutants pour assurer la qualité de ce divertissement très recommandable.

Le soin apporté au graphisme, au character design, aux décors et à l'animation, avec une 3D mieux intégrée que dans l'ineffable Gantz du même studio, ne parvient à séduire que le temps de la scène d'introduction du premier épisode, grandiose combat de robots géants (« méchas ») dont on ne comprend ni les tenants ni les aboutissants mais qui donne ainsi le ton du reste de l'œuvre : spectaculairement gratuite et d'un manque d'originalité qui frôle l'indigence. Tous les lieux communs de l'animation japonaise sont ainsi passés en revue dès le premier volume : méchas, démons, mutations, gangs, agences secrètes, complots gouvernementaux… Et bien sûr le concept de base de Burst Angel : quatre filles au passé trouble et aux formes généreuses, qui luttent contre les méchants avec humour et une dose de questionnements existentiels des plus basiques. Il y a la gamine pro de l'informatique, la plus âgée qui fait la morale, la sexy rigolote et la tête brûlée taciturne et probablement amoureuse de sa comparse délurée. Pour nous introduire dans ce petit monde, on suit l'arrivée du jeune cuisinier de l'équipe, unique présence masculine, et gentil candide qui va créer des tensions au sein du groupe.

Burst Angel accumule alors tous les traditionnels sous-entendus plus ou moins érotiques, de l'amour lesbien aux innombrables plans de poitrine surdimensionnée ou de petites culottes. Le sommet de la série, aussi bien au niveau du divertissement que de la facilité, étant les épisodes 5 et 6, qui se déroulent dans un pensionnat de jeunes filles, sur les bases d'un vague remake de Suspiria, permettant aux spectateurs érotomanes de se rincer l'œoeil jusqu'à plus soif…

Ces enfilades de stéréotypes pourraient avoir du charme, mais malheureusement la série souffre de plus gros problèmes, en particulier d'une construction maladroite qui fait s'enchaîner inévitablement un épisode de présentation de mission laborieux avant un second épisode centré sur l'action pétaradante mais ultra répétitive (quelques gunfights au ralentis et deux robots qui se tapent dessus). De surcroît, on se demande souvent à qui s'adresse vraiment Burst Angel, car l'humour est très enfantin et les scènes de violence très gores, les situations parfois vraiment sexy mais aussi incroyablement niaises (ah ! le frangin du vilain monstre dans l'épisode 4 !). Bref, Burst Angel bouffe effectivement à tous les râteliers, sans développer la moindre thématique un tant soit peu originale ni même un univers attachant. Les amateurs pourront quand même se pencher sur l'impressionnant visuel, mais leur intérêt risque de décliner avant même la fin de ce premier volume.